Siglo XXI:

“Decía que eran tres los factores que han marcado la historia del comienzo de siglo”. Al comenzar el siglo XXI hubo tres actos que cambiaron por completo el mundo. El primero fue el 11 de septiembre de 2001 cuando hubo un ataque terrorista al World Trade Center de Nueva York y al Pentágono en Washington, el segundo, mas musical, fue la gran separación de la música estadounidense con la británica en 2002 y la última, la gran crisis que sufrió la industria discográfica a causa de la piratería que ha ido incrementando a causa del progreso tecnológico. El primer factor es fácil de entender y supuso un antes y un después en la historia de Estos Unido. El segundo fue realmente sorprendente, por primera vez en cuarenta años, en las listas de EE.UU hubo una semana en la que no salía ninguna canción de procedencia británica en el top-100. Esto podría suponer un estancamiento en el mercado británico y EE.UU un gigante motor que caminaba solo. Y por último, la crisis de la piratería. Esta crisis fue una de esas crisis evitables que además, transcurrió durante años desde la aparición del CD y el aparato capaz de grabarlos y reproducirlos. Y la aparición del top-manta no ayudaría a la industria discográfica. Se traba de personas con mantas extendidas en el suelo llenas de CD's perfectamente grabados, con fotocopias a color en la portada real y vendidos a la sexta parte de lo que se pagaría por uno idéntico en una tienda. En España, un millón y medio de personas compraban discos piratas con un promedio de 3,45 discos al trimestre en noviembre de 2002. Así que todo este fenómeno hizo que tanto artistas y discográficas se planteasen que habían hecho mal y frases como “pudimos haber bajado precios cuando apareció el CD, pero quisimos exprimir la vaca e hicimos todo lo contrario, aumentarlos. Ahora ya es tarde para volver atrás” eran escuchadas por todo el mundo. Y efectivamente, la piratería solo ha ido aumentando con los años porque los desarrollos tecnológicos también han ido avanzando. 

Grunge, Brit pop, el rock de los noventa:

“África es el gran centro de la Word Music, por sus ritmos, su misterio, sus muchas culturas atrapadas en todo un universo que para el resto del mundo y por su ignorancia es solo un continente negro”. La word music (música universal) se convirtió en un género música que recogía toda la música tradicional, folclórica o étnica de todas las culturas del mundo. Nació en los años 80 y se dio a conocer gracias a festivales, sobre todo el de WOMAD impulsado por Peter Gabriel o el de Graceland con Simon. Estos invitaron a una serie de músicos con otras raíces. Muy pocos artistas africanos, caribeños o otros lugares se habían hecho famosos o conocidos, solo el reggae fue ese primer sonido folclórico que se hizo internacional. Gracias a Harry Belafonte se popularizó el calipso en EE.UU y con la influencia de los Beatles y Ravi Shankar de popularizó la música india. Poco a poco se empiezan a dar a conocer nombres de artistas procedentes de cualquier lugar del mundo sobre todo de origen africano o sudamericano. Entre otros, destacan el nigeriano Fela Ransome-Kuti, el argentino Astor Piazzola o los brasieños Gilberto Gil o Caetano Veloso. Pero una de las músicas mas interesantes y que consiguió éxito fue el rai procedente de Argelia. Este estilo surgió a causa de esos jóvenes dispuestos a romper las normas y iban armados de cajas de ritmos; esto mas la aparición de Khaled y su comercial “Didi” bastó para ser conocido. Además, en Egipto despertó el jeel que sería el equivalente del rai en ese país. No debemos olvidar que la Word Music está conectada con la globalización. 

Khaled:

Del rap a la electrónica:

 “Los artistas raperos tenían en común la denuncia de las dificultades de sus hermanos de raza, defendían la autoestima de la población negra, clamaban contra las injusticias sociales tan evidentes durante las administraciones de Reagan primero y de George Bush después”. El rap podríamos definirlo perfectamente con el párrafo anterior. Era una música hecha por negros surgidos de los peores barrios de Nueva York donde sobre una base musical recitaban la letra imprimiéndole ritmo con la voz. El primer grupo negro que rapeó fue Sugarhill Gang editando el tema “Rapper's Delight”. Eran canciones protesta donde en sus letras podríamos ver reflejada toda esa injusticia social que sufrían la mayoría de negros, siendo el racismo el tema principal. No tardó mucho tiempo en convertirse en el género musical negro más fuerte, popular, con influencia, en determinados cantantes y bandas blancas. Hubo canciones con letras realmente violentas entre los raperos más radicales. De echo, al grupo 2 Live Crew le declararon obsceno un disco y fue retirado de las tiendas (hasta que apareció un texto en la cubierta del CD advirtiendo del contenido de las canciones como “letras explícitas”) El rap además de ser un estilo de música, pasó a ser una forma de vida y moda donde predominaban el corte de pelo al cero, ropas con tallas mayores y pantalones caídos además del grafiti. Igual que relacionaban la marihuana con los hippies, el LSD con la psicodelia, el crack lo fue con los raperos. Una droga con efectos rápidos, de bajo coste y muy adictiva. Entre los grupos que llevaron el rap a las listas de éxitos destacan Grandmaster Flash, Melle Mel & The Furious Five, los solistas Kurtis Blow o Afrika Bambaataa, LL Cool J, Run-D.M.C y los blancos Bestie Boys. Public Enemy destacan por su violencia de sus letras y sus escándalos y los mencionados anteriormente, 2 Live Crew. Mas tarde surgió Snoop Doggy Dogg, De La Soul, Arrested Development y el indiscutible rapero blanco Eminem, que consiguió hacerse un hueco en este mundo con canciones escandalosas, controversias, desafíos y provocaciónes con unas ventas millonarias increíbles.

Eminem con "Lose Yourself", banda sonora de la película 8 Miles: 

 

El A.O.R y la era de la imagen:

“De las seis primeras grandes megaestrellas de los ochenta,cuatro son novedad y dos pertenecen al pasado: Michael Jackson y Stig. Las otras son U2, Madonna, Whitney Houston y Prince”. Las voces mas populares de los ochenta fueron la de los artistas que acabo de nombrar. Michael Jackson tras dejar la banda con sus hermanos, aterrizó mas fuerte que nunca con su LP “Off the Wall” con canciones como “Don't Stop til you get Enough” y “Rock with you” pero no batió todos los records hasta su segundo LP “Thriller” vendiendo treinta millones de copias en todo el mundo y consiguiendo un top-10 con una canción del mismo nombre. También ganó 8 Grammys en 1984, pero no volvería hasta 1987 y su éxito nunca sería el mismo. Sting también es otro artista que empieza su carrera en solitario tras dejar a Police, siguió haciendo cine y empezó a probar nuevos estilos como el jazz hasta el pop. Entre sus mejores trabajos encontramos “The Dream of the Blue Turtles” o “If you love somebody”. Seguimos con Prince, el genio de Minneapolis, sacudió el mundo de la música negra con su carisma. Debutó tanto como artista, cantante, guitarra, arreglista y productor y a los 18 años ya empezaba su carrera publicando su primer disco a los veinte años. Tras el fracaso de su primer disco, el tercero hizo nacer a la estrella. La película Purple Rain protagonizada por él mismo mas el LP que la acompaña lo colocaron en la cima. Su radicalismo hará que a comienzos del siglo XXI estuviese enfrentado a toda la industria discográfica. Entre las estrellas femeninas, destaca Madonna. Con una infancia difícil, hizo coros en canciones, tocó la batería, hizo una película experimental, posó desnuda en fotos y en 1982 la contrató el sello Sire. Fue la cantante con mas números 1 y éxitos del mercado con “Material Girl”, “True Blue”, “Who's that girl” junto a sus grandes LP's “Like a Virgin” o “Erotica”. Su oponente fue Whitney Houston. Su mayor éxito saldría con la canción “I will always love you” y consiguió siete números 1 consecutivos, había batido ya el récord de los Beatles en los sesenta y de los Bee Gees en los setenta. Y por último, el cuarteto irlandés U2. Su primer álbum pasó inadvertido y su éxito llegó en 1983 con War. Pero el estrellazo lo consiguieron con el directo “Under a blood red sky” y “The Unforgettable Fire”. Su carrera acabará transcendiendo por sus implicaciones políticas (Bono, cantante del grupo, es uno de los grandes activistas en causas humanitarias), pero jamás dejarían de crear nuevos discos como “The Joshua Tree”, “Rattle and Hum” y canciones como “I still haven't found what I'm looking for” o “Desire”.

El rey del pop:

 

Del disco sound a las nuevas tendencias:

“El siguiente paso, terminológicamente hablando, fue prescindir del apellido rock para completar la expresión heavy con otro más acorde: metal.” Después de que el rock fragmentase en varios caminos, nace el pub rock, el post punk, el power pop, el heavy metal, el revival mod, el ska, el tecno pop, la cool wave, la música cibernética y los no-músicos. El heavy metal surgió de ese rock duro de Led Zeppelin o Deep Purple. El heavy fue mucho mas global que otros géneros ya que hubo grandes grupos de Canadá como Rush, Barón Rojo o Obús desde España, Krokus eran suizos, los grandes AC/DC y Rose Tattoo australianos, Venderberg holandeses, en Alemania teníamos a Accept, Scorpions y Michael Sckenker, Dokken americano y los famosos Iron Maiden desde Inglaterra. El heavy fue ese género considerado “peligroso” por muchos, un ejemplo fue la acusación del reverendo Richard Czachor diciendo que Ozzy Osbourne era un enviado del diablo, un pervertidor de las sagradas formas de la moral, un asesino de animales y un sádico ultrajador de monumentos.

Entre los dos grupos mas famosos del heavy, fueron los pioneros AC/DC (corriente continua/corriente alterna). Liderados por Angus Young en la guitarra y el cantante Bon Scott, nacieron en Australia y dieron el salto a Estados Unidos e Inglaterra con álbumes como “Let There Be Rock”, “Powerage”, “If you Want Blood” y el definitivo “Highway to Hell”. La muerte del cantante no terminó con ellos ni su éxito. El otro grupo fue Iron Maiden teniendo su mayor momento en 1982 con “The Number of the Beast”, “Piece of Mind”, “Powerslave” o el directo “Live After Death”. No hay que olvidarse de mencionar al grupo femenino de heavy las “Girlschool” que grabaron un EP con el grupo “Motorhead”. 

El punk y los nuevos caminos de los setenta:

“Malcolm McLaren, empresario-productor-artista que tenía una tienda de ropa llamada Sex en King's Road, se encontró con un grupo integrado por Steve Jones (guitarra), Glen Matlock (bajo) y Pau Cook (batería).” Este trío junto al cantante Johnny Lydon al que bautizaron como Johnny Rotten, formaron los Sex Pistols. McLaren consiguió que fuesen conocidos e incluso EMI los contrató por 40.000 libras, la cifra más alta pagada a un grupo desconocido. Sus escándalos empiezan en un programa de televisión y no consiguieron muy buena fama pero la compañía que se atrevió con ellos fue A&M. El cuarteto se hizo rico y famoso gracias a contratos e indemnizaciones poniendo la paliza que de dieron a un disc-jockey negado a pinchar un tema suyo como otro de sus escándalos. La tercera compañía que apostó por ellos fue Virgin. Los Sex Pistols fueron mas conocidos por temas escandalosos, peleas y demás que por temas musicales. Pero su álbum “Never Mind the Bollocks, Here's the Sex Pistols” fue tan obsceno que las tiendas se negaron a venderlo y estuvo prohibido en las radios y las tiendas que lo vendieron fueron multadas. Aún así, fue número 2 en el ranking británico. Mas tarde optaron por separarse pero años mas tarde volvieron a juntarse para seguir con su fama y conseguir un poco de dinero. Hicieron realidad ese lema punk :”no future”.

Una de sus actuaciones con una de sus canciones mas populares:

La transición:

“Si el rock sureño fue un movimiento que aportó otro sonido y una calidad, lo que podríamos llamar rock degeneration no fue sino una máscara, una forma de etiquetar algo sin etiqueta”. El rock sureño era puro rock con cierto folk rural donde las guitarras eléctricas eran mezcladas con las clásicas steel guitar, violines e instrumentos poco rockeros (acordeones y banjos). Lo que destaca de la música sureña fue la cantidad de grupos que entraban y salían de este mercado durante los años 1974 hasta 1977. La primera banda de este género y su impulsora fue Allman Brothers Band el cual su éxito impulsó a que la industria se volcase en el sur de EE.UU para mayor posibilidad de mercado. Solo llegaron hasta los años ochenta y fue Marshall Tucker Band, con los hermanos Caldwll quienes siguieron su ejemplo pero no con tanto éxito. Pero el rock degeneration, que ni fue acuñado internacionalmente desfilaron por la escena americana con aspecto grotesco y pintoresco. New York Dolls fueron los pioneros en utilizar el maquillaje y los rockeros Blue Oyster Cult hicieron actuaciones tremendistas y una puesta en escena donde aparecían como enviados satánicos. Pero el grupo inigualable de este estilo fue Kiss con un éxito brutal. El grupo se ganó a su grupo de fans (Kiss Army) con un cantante que vomitaba sangre en los escenarios mientras se producían explosiones y escenas violentas. Además, los cuatro miembros actuaban maquillados y vestidos con ropas excéntricas. Consiguieron respeto, porque fueron de los pocos grupos de largo recorrido que nunca renunció a su estilo único, eran verdaderos.

Aquí podemos comprobar la diferencia de música y actuaciones:

The Allman Brothers Band.

Kiss.

 

La gran crisis:

“Nos hemos desbordado y ahora pagamos el precio de haber llevado las cosas a un punto donde detenerse es difícil pero necesario”, “Hemos producido una inflamación agobiante y ahora hay que ajustarse a a realidad”,”Habrá que replantear la industria en los próximos años”. Estas fueron las típicas frases que las discográficas decían con la nueva crisis del 1973 empezada a causa de la guerra Yom Kippur entre Israel y Egipto. Esta guerra que parecía no tener nada que ver con la industria musical, se vio mas afectada de lo previsto. En general, el mundo entero se vio afectado tras la escasez de materias primas y petróleo vendido a precios altísimos tras la caída de Egipto, uno de los primeros países exportadores de petróleo. La música fue afectada a causa de que después de su momento mas glorioso, la venta de discos cayese en picado por a falta de ellos por no poder crear mas, a causa de una limitación por la escasez de las materias primarias derivadas del petróleo. Las compañías discográficas tuvieron que pensar rápidamente que hacer y decidieron editar solo a los grandes vendedores sin la menor oportunidad para la búsqueda de nuevos talentos o directamente abrir camino a grupos minoritarios. El problema fue aun mayor cuando Suecia, la principal proveedora de cartulina, tuvo que interrumpir el suministro lo cual llevó a que las grandes discográficas almacenasen papel y cloruro de polivinilo en grandes cantidades provocando una falta de ello en las discográficas mas pequeñas. Además, el aumento desmesurado de los precios hizo aún mas difícil la venta de discos y los pocos conciertos que se hacían también se veían afectados por la falta de energía para que los instrumentos dispusieran del suficiente voltaje, o los altavoces y la iluminación. El año 1975 fue de renacimiento, pero ya nada era igual.

El gran tiempo del rock (tercera parte):

“A comienzos de los años setenta, unas canciones con un estilo muy original, aunque poco relevante entre el público mayoritario, comienzan a triunfar en Inglaterra”. La música de la que hablamos tiene raíces caribeñas, sobre todo del ska, el calipso y el mento, para ser mas concretos Jamaica: el reggae. Los jamaicanos se hacían notar por sus extravagantes gorros con los colores de la bandera de su país, el cabello lleno de rastas y el fumar marihuana o como ellos lo llaman “ganja”, como parte de su filosofía. Entre los top-10 en Gran Bretaña destaca el jamaicano Jimmy Cliff, Byron Lee, los Maytals, los Melodians o Freddie Notes and The Rudies y ya en 1971 el dúo Dave & Ansil Collins. Pero el gran líder indiscutible de este género es Bob Marley. Muy pocas veces la música folclórica de cada país ha traspasado fronteras pero esta música típica de Jamaica si lo hizo. Los rastafaris son, en pleno siglo XX, los israelitas bíblicos de su tiempo, esperan salir de Jamaica para volver al desierto, pero mientras esperan tienen su música. La influencia de la música negra en Jamaica es muy grande, aunque el país no perderá su propia forma, sino que la adaptará a su idiosincrasia. La aparición del soul acaba influyendo en el nacimiento del reggae como estilo único teniendo su mayor potencial desde 1973. Incluso grupos famosos ya existentes imitan esta nueva música caribeña, Paul Simon con “There Goes Rhytm' Simon”, Led Zeppelin con “Houses of the Holy”, “Eric Clapton” con “I Shot the Sheriff” y aparecerían nuevos grupos como Police que hicieron reggae blanco en sus inicios. Bob Marley, con su carrera ya empezada desde los 16 años en Jamaica, luego emigraría a Inglaterra donde se convertiría en el rey del reggae y uno de los artistas internacionales más decisivos. Su música es crítica: defiende a su clase social frente al mundo occidental y reivindica el poder negro frente a la opresión blanca, también habla de paz y amor. La muerte del Marley en 1981 a causa de un cáncer acabó con la gran leyenda en la que se convirtió pero dejó paso para el reggae donde artistas mantendrían viva la llama de este género hasta nuestros días.

El rey del reggae: 

 

El gran tiempo del rock (segunda parte):

“La lista de bajas del rock ya era notoria desde la desaparición de Buddy Holly en 1959 a la de Otis Redding en 1967, ambas producto de accidentes de aviación”. En el primer apartado de este capítulo, habla de los cambios entre los años 1969 hasta 1073 sobre todo las muertes de los protagonistas de esos tiempos. Ya hemos hablado de como acabaron muchos artistas, pero hay que sumarle la separación de los Beatles en 1970 a causa de sus diferencias y la discusión entre Paul y John. La gran plaga empieza con Jimi Hendrix, Janis Joplin, Jim Morrison y Brian Jones de los Rolling Stone, cumplió el lema del rock: “vive aprisa, muérete joven y así tendrás un cadáver bien parecido”. Duane Allman, no tan conocido también desaparecía en un accidente de moto. Creo que lo que intenta explicar esta parte del capítulo, es como muchos artistas, además de estos, tocaban fondo en sus vidas y muchos resurgían de las cenizas pisando mas fuerte que nunca poniendo a Bob Dylan como un buen ejemplo. Por desgracia para estos no fue así, menos Duane, la mitad moría de sobredosis y la otra mitad se suicidaba. La mayoría acababa torturado por su propio éxito y más en este tiempo de transición al vanguardismo donde el rock and roll y todas sus fusiones jugaban un buen papel.

Jimi Hendrix, Janis Joplis, Jim Morrison: 

 

El gran tiempo del rock (primera parte):

“Gigantismo, hitos irrepetibles, una música demoledora y récords esenciales en su momento jalonan su intensa existencia”. Hablamos del grupo Led Zeppelin, ese grupo británico que junto a los Beatles, sus LP's han estado entre los 100 mas vendidos de la historia en los años ochenta. Fueron los primeros en mantener tres o cuatro horas de concierto con una calidad sin igual hasta entonces. Nacidos en el 1968, abrieron la vía del heavy metal. El grupo formado por Jimmy Page ya autor, productor y guitarrista, había estado en el grupo Yeardbirds después de haber grabado varias grabaciones con varios grupos y creó su propio sello James Page Music. Rober Plant, solista de los desconocidos Band of Joy, era adicto al blues ya empezaba su carrera desde adolescente, la llamada de James Pages fue decisiva para su carrera. El cuarteto se completó con el bajo John Paul Jones, músico de estudio y miembro del grupo de Jet Harris y Tony Meeham y el batería John Banham que aportó equilibrio a Led Zeppelin con aportaciones con el teclado también. Sin su mánager igual no habría sido lo mismo para ellos, Peter Grant fue el quinto Zep quien realmente manejó su gran éxito y creó de Swan Song Records, la compañía de Led Zeppelin. Solo dos semanas tardaron para grabar su primer LP en los Olympic Studio de Londres y el 7 de diciembre Peter Grant firmaba con Atlantic Records por 200.000 dólares. El segundo LP pasó directamente al número 1 de las listas y duró en ellas cuatro años. Su gira por EE.UU y sus conciertos de 4 horas de durada era un espectáculo jamás visto y dejando el Palacio de los Deportes de Lyon (Francia) arrasado. La quinta gira dará un millón de dólares de beneficios y la sexta se anuncia como “el mayor acontecimiento en vivo desde los Beatles”. En cada concierto se utilizaba los equipos más grandes jamás empleados hasta entonces con montajes de luminotecnia expresamente para ellos. La muerte del hijo de Plant hizo una pausa en su carrera hasta el festival de Knebworth de 1979 que volverían a reaparecer pero un año después Led Zeppelin acabó por completo tras la muerte de John Bonham. La crítica los consideraba el mejor grupo de la historia del rock dejándonos canciones como “Rock and roll”, “Stairway to heaven” o “Since I've Been Loving you”

Introducción al vanguardismo:

"Dos de las tendencias más opuestas surgen en 1968 a ambos lados del Atlántico. Una, en Inglaterra, dará enormes músicos y dejará un paso de calidad esencial. La otra, en Estados Unidos, no pasará de ser una moda más, comercial y efímera”. En la isla británica dominaba mas la música tradicional, el folk-rock con violines, violas, laudes, dulzainas, flautas, arpas, etc. mientras que el folk-rock americano se basaba en la electrificación después de la creación de sintetizadores. Roy Harper o la Incredible String Band podríamos decir que fueron los pioneros pero los dos grupos clave de este proceso fueron Faiport Convention y Pentagle. También Sandy fue una de las solistas más populares (después de ser cantante en Faiport Convention) y ya en los setenta Lindisfarne o Steeleye Span. Al otro lado del océano, la moda estadounidense era la del bubblegum (chicle), este nombre tan peculiar fue por las canciones simples, bailables bajo unas voces agudas de entonación nasal. En muy poco tiempo se crearon muchos grupos y artistas, entre los máximos responsables fueron Jerry Kasenetz y Jeff Katz, creadores de su propio sello, Super K Productions dentro de la discografía Buddah Records. Hay que mencionar a los mas fieles del bubblegum: 1910 Fruitgum Company, Ohio Express, The Cowsills y Archies entre otros.

En estos dos vídeos podemos ver las diferencias:

Psicodelia, espiritualidad, Europa.

“En España hubo un antes y un después de 1964”. En este capítulo he seleccionado la parte de España porque ya hemos hablado internacionalmente y es importante conocer como fue la música en nuestro país. En los tiempos difíciles que vivía el país era complicado tener un tocadiscos así que vender discos era aún mas complicado. Incluso las radios limitaban la música, solo el flamenco era la música predominante. Entre los cantantes que arrasaron es España, José Guardiola fue el primer cantante español famosos en la estela de Frank Sinatra pero Ramón Arcusa y Manuel de la Calva (Dúo Dinámico) fueron quien realmente enloqueció el país con sus canciones frescas y juveniles. Era puro rock and roll inspirados por los Everly Brothers. En 1962 surge a Catalunya la cançó catalana, un movimiento reivindicativo y rebelde con letras en contra la dictadura. Aparecieron artistas como Raimon, Joan Manuel Serrat (convirtiéndose en el mejor cantante y autor español), Lluís Llach, Ovidi Montllor o María del Mar. Además, de los grupos Beatles, Rolling Stone, Animals y Kinks les salieron unos imitadores españoles, cantaban sus mismas canciones pero en español, fueron los Mustangs (que compartían sello discográfico con los Beatles), Sirex, Salvajes, Lone Star, Pekenikes, Gatos Negros y como solistas Miguel Ríos y Tony Ronald. Pero el primer grupo nacional que arrasó con su propia música fueron Los Brincos con canciones como “Borracho” o “Flamenco”. Otro grupo no menos importante fueron Los Bravos, con un cantante alemán y en pleno éxito rodaron la película Los chicos con las chicas.

 "Black is black" fue la canción que mas éxito obtuvieron: 

La era dorada del pop:

“A fines de los setenta, cambiando de estilo y con los agudos falsetes de Barry como señal de identidad, pondrían a bailar al mundo entero con su música disco y la banda sonora Saturday Night Fever, manteniéndose hasta comienzos del siglo XXI como una de las grandes formaciones de la historia”. En este capitulo he seleccionado la parte del grupo Bee Gees, ese grupo que puso música a la película Saturday Night Fever con JohnTravolta como protagonista. Los gemelos Maurice y Robin junto a su hermano mayor Barry, son hijos de Hugh y Barbara también cantantes. Su inicio como grupo en la radio y en la TV es todo un éxito y empiezan a grabar sus primeros discos siendo en 1966 proclamados el mejor grupo australiano. Viajaron a Inglaterra (su país de origen) para continuar con su éxito pero no fueron muy bien recibidos hasta que fueron contratados por Robert Stigwood para su propia discografía RSO Records. Esta vez son un quinteto, los hermanos son acompañados por Colin Petersen en la batería y Vince Melouney con la guitarra y en tres años forman parte de las listas de éxitos. Tras dar varias canciones pop como “To Love Somebody” o “I've Gotta Get a Message to You”, Robin deja a sus hermanos hasta que en 1970 se vuelve a unir con ellos pero siendo solo un trío. Cambian por completo su estilo y se pasan a la música disco. El grupo formado por los tres hermanos no se separó hasta el 2003 tras la muerte del gemelo Maurice Gibb. Los hermanos restantes aparecerían de nuevo en los escenarios.

En este vídeo escuchar una de sus canciones mas populares y que seguro que la mayoría hemos escuchado alguna vez:

Del movimiento hippie al soul:

“Paz amor y libertad se convierten en las tres palabras sinónimo de hippismo”. A causa de la guerra en Vietnam y la cantidad de adolescentes enviados a ella hizo que despertase entre la población una serie de protestas naciendo así los hippies. Miles de chicas y chicos se unen para hablar de paz y libertad y que mejor sitio que en el enclave de las calles Haight y Ashbury en San Francisco, donde por primera vez se habla de un movimiento hippie. Millones de adolescentes se reúnen para dejarse llevar por la libertad de sus ideas. Nace el Flowe Power a raíz de cuerpos pintados de flores luciendo símbolos pacifistas y bajo efectos de las drogas (el LSD), también surge la psicodelia (luces combinadas con música para crear efectos aumentados por las drogas). El psicodelismo se convirtió en un arte unido a la música y las sensaciones visuales y espirituales siendo una de las aportaciones fundamentales de la cultura hippie. La música no intenta ser comercial sino crear largos desarrollos instrumentales para crear un clímax ambiental. Como cada cultura, tenían unas ideologías que fueron desarrollando a partir de esa idea de amor y paz en todo el mundo con la que pudieron identificarse muy bien con la música. Entre estrellas hippies podríamos nombrar al cuarteto “The Mama's & The Papa's”, los Jefferson, los Fugs y Frank Zappa.

Folk rock, motown sound y los nuevos héroes:

Este capítulo es el mas largo de todos los que hemos leído, por lo tanto mucha mas materia. Ha sido complicado elegir una parte para explicar, pero me he decantado por una frase que aparece en la última hoja porque creo que fueron dos personas importantes para la etapa de la música que estamos estudiando.“Eric Clapton y Jimi Hendrix encarnan a los nuevos héroes, los dioses de la guitarra, los dos partiendo además del rhythm & blues a ambos lados del Atlántico”. Todo el mundo sabía quienes eran las celébritis del momento, los Beatles, pero eso no quitó la aparición de grupos o artistas que igualasen su éxito. Eric Clapton, también inglés y Jimi Hendrix de piel negra, crearon lo que muy pocos con una simple guitarra. Clapton junto a Bruce y Baker crearon el grupo Cream, una mezcla de rock y blues con un sonido duro y sucio bajo la guitarra, el bajo y la batería. Los tres eran los mejores del momento y juntándose crearían algo exitoso y romperían los esquemas. No duró mucho el grupo y tras separarse, solo Clapton seguiría su carrera en solitario convirtiéndose en el mejor guitarrista del momento.

Después de que Eric Burdon y Chas Chandler descubriesen a Hendrix en el Café Wah!, Chandler quedó impresionado y lo convenció para que viajase a Londres y ser presentado ahí, también se convirtió en su mánager. Y no falló, su actuación en el prestigioso club Scot of St. James hizo que la gente se quedase con la boca abierta, era pura adrenalina. Fue el primer negro en ser aceptado en el mundo del pop. Pasó de una vida frustrada a la cima y incluso muerto, sus canciones siguieron siendo editadas.

Aquí tenemos una foto de los dos juntos: