Estilo swing:

Después de que muchos músicos emigraran a Chicago por los conflictos en Storyville, en 1930 vuelven a emigrar a la gran cuidad de Nueva York. Se mezclan los estilos Nueva Orleans y el Estilo Chicago dando a conocer un nuevo estilo, el Swing que representará el mayor éxito comercial del Jazz. Se trata de una música de baile, de comedia y del cine, llegando mucho al público. Este estilo suavizaba los compases en dos tiempos del estilo Nueva Orleans y utilizaba un compás mas fluido de cuatro tiempos. También crearon riffs (estructuras melódicas cortas) con pautas de pregunta y respuesta. Todo esto creó Big Bands, grandes orquestas para hacer shows y fueron intérpretes de esta nueva forma del jazz, creando pegadizas melodías con orden y disciplina y los solos de cada uno eran improvisados. No hay duda de que se trata de la época dorada de la orquesta de jazz con las big bands. El director de la banda, que era un virtuoso instrumentista, persistió su solo como brillante demostración de su habilidad. En la instrumentación, podíamos encontrar trompetas, trombones, saxofones, clarinetes y en la sección rítmica y percusión, el contrabajo, guitarra y piano.

Pero las orquestas de componentes blancos tuvieron un mayor acceso en el mercado, un ejemplo de ello fue la Big Band de Benny Goodman (clarinetista) que consiguió un gran éxito en el 1935 con su música basada en las composiciones de Henderson (pianista negro). Otro ejemplo fue la Orquesta de Gleen Miller (trombonista), la mas famosa a finales de los años 30. Pero también podemos destacar Big Bands negras como las de Duke Ellington o Count Basie (ambos pianistas) y que consiguieron que la gente acudiese en masa a las salas de baile o que los escuchasen en populares programas de radio. Las Big Bands fueron acabando cuando los Estados Unidos entró en la II Guerra Mundial porque tuvieron grandes problemas a causa de la falta de petróleo que hizo mas complicado viajar, las salas de baile cerraron y la baquelita utilizada para fabricar discos se destinó a la guerra. La popularidad de las Big Bands terminó definitivamente en la década de 1950 con la aparición del Rock and Roll.

Aquí tenemos una buena canción de la Orquesta de Glenn Miller: Moonlight Serenade, bastante romántica y para ser bailada. Como hemos dicho anteriormente, era la mas famosa que tenía un estilo propio basado en arreglos muy cuidados. Podemos escuchar como la trompeta es la protagonista. 

El dixieland:

Otro estilo, conteniendo el jazz, es el dixieland. Esta vez, al contrario que el estilo Nueva orleans, las bandas de músicos blancos son los encargados de llevar a la calle este estilo ya que este tipo de música se toca sobre todo en desfiles. Muchos creen erróneamente, que es lo mismo que el estilo Nueva Orleans simplemente diferenciando el color de personas que lo interpretan. Si es verdad, que es muy parecido pero esta música es mucho menos expresiva que la interpretada por las bandas negras ya que emplean un sonido mas cuidado y un mayor dominio de la técnica instrumental. En el dixieland, predominan los instrumentos de metal y la improvisación. En los instrumentos empleados, podemos encontrar tres: la trompeta, el clarinete y el trombón. Sin embargo, el contrabajo, la batería, el bajo y el piano son los encargados de marcar el ritmo y la base armónica. Pero como muchos de estos instrumentos son tan pesados para llevarlos en la calle, son substituidos por tubas o otros instrumentos de percusión como la caja y los platillos. Un dato curioso es que, se creo una batería en la que el bombo y los platillos se tocaban con pedales y el resto con baquetas ya que, esta música llegó a ser escuchada en directo en bares pero como era tan caro contratar varios músicos, una persona se encargaba de tocar varios instrumentos a la misma vez. Las bandas que actuaban en los salones de los bares tocaban improvisando, inventando la música según iban actuando. Actualmente, hay un festival en tarragona, el único en España. Podemos destacar la banda “Original Dixeland Jazz Band” y “Papa Jack Laine” conocido como el padre del jazz blanco.

Ahora podremos escuchar “Livery Stable Blues” de Original Dixeland Jazz Band. Fueron los primeros en hacer una grabación en el año 1917 y el primer grupo musical que utilizó la palabra “jazz” atribuyéndola en su música y los primeros en aparecer en el cine con la película “The good for nothing” . Esta banda esta formada por cinco músicos: Larry Shields (clarinete), Nick La Rocca (corneta), Eddie Edwards (trombón), Henry Ragas (piano) y Tony Sbarbaro con la batería. Esta banda surgió en Chicago después de que fuesen reunidos por un propietario de un club local. Se trasladaron posteriormente a Nueva York donde hicieron varias grabaciones. Tras tener mucho éxito en ambos lugares, decidieron hacer una gira por el Reino Unido (1919) donde el trombón estuvo a manos de Emilie Christian y J.Russell Robinson en el piano donde luego pasó por el pianista británico Billy Jones. Desaparecieron en el 1925 aun que en el 1936 actuaron y grabaron de nuevo.

Estilo Nueva Orleans:

Empezamos con un estilo que fue usado en varios lugares públicos como bares, teatros o directamente usado en varias manifestaciones sociales como fiestas, bodas y hasta incluso funerales. Esta costumbre venía de una tradición africana donde las bandas acompañaban los cortejos al cementerio y luego a la vuelta, tocaban canciones festivas y la gente bailaba. Se trata del estilo Nueva Orleans y surgió, como bien dice el nombre, en la ciudad de Nueva Orleans en el 1900 en el barrio de Storyville. Hablamos de una música interpretada por pequeñas bandas de músicos negros desarrollando estilos derivados de las fuentes del blues y los espirituales. Justamente del blues, muchos músicos adoptaron su vocabulario, incluyendo notas dobladas, notas del blues y “gruñidos” instrumentales no usados en los instrumentos europeos. Algunos de los instrumentos que empleaban y que realizaban la parte melódica, eran las trompetas, trombones o clarinetes y los contrabajos, instrumentos de percusión, baterías, pianos, banjos o pianos eran utilizados para la parte rítmica donde también se podían combinar ritmos con palmas y pies. Casi todos estos instrumentos fueron obtenidos en cantidad y en bajo costo después de la Guerra de Secesión, por eso, muchos ejecutantes negros pudieron usarlos ya que habían aprendido a tocar esos instrumentos en el ejército de la Confederación y después de la esclavitud pudieron emigrar a Nueva Orleans. El nuevo estilo también fue dirigido a los jóvenes blancos, especialmente a los hijos de inmigrantes de la clase trabajadora. Joe “King” Oliver y Buddy Bolden y su Orquesta son los que mas destacan. En ese momento es cando nace el Jazz propiamente dicho. 

La canción Didn't he ramble es interpretada por uno de los músicos mas famosos y el mas destacado en este estilo, Louis Armstrong. Podemos encontrarlo con su instrumento mas fiel, la trompeta siendo esta la protagonista y marcando la línea melódica que es acompañada por varios instrumentos con un ritmo marcado por un tambor. Aparecen también otra trompeta, una guitarra y una batería. (A partir del minuto 3:11)

¿Queréis otro?

Esta vez, he escogido a Robert Johnson. No solo me ha llamado la atención su forma de cantar, ya que para mi opinión tiene una voz bastante única y muy bien encajada en este estilo musical, si no por su forma de tocar la guitarra. Es un rasgo por lo que mas llama la atención por todo el público, y creo que su naturalidad y creatividad es lo que mas le ayuda a hacer un buen acompañamiento con su guitarra. He escogido una de sus canciones mas populares: “Sweet home Chicago”
Sweet home Chicago es una canción de blues estándar publicada el agosto de 1937, grabada en Texas y compuesta por el mismo. Esta canción es una variación de “Kokomo Blues” de Scapper Blackwell, Davis Madlyn o James Arnold. La letra de la canción en la versión de Johnson se refiere, como bien dice el título, sobre Chicago, donde le pide a una mujer que vuelva con el a “ese lugar en California/Chicago, mi dulce hogar”. Han habido confusiones sobre a que lugar de los dos va destinado esta canción. Con los años, ha llegado a ser un homenaje a Chicago y una de las canciones mas importantes de este lugar. La lista de artistas que han versionado la canción es enorme, incluyendo The Blues Brothers, Status Quo, Johnny Otis o Magic Sam. Y no podía faltar su guitarra, como acompaña a la voz y como demuestra su destreza.
Y por último un poco de información de Robert Johnson. Nació el 8 de mayo de 1911 en Misisipi. Fue cantante, compositor y guitarrista del blues y es conocido como “El Rey del Delta Blues”. Con tan solo 29 canciones, ha conseguido influenciar a generaciones de músicos además de sus habilidades y su estilo de tocar la guitarra, entre ellos Bob Dylan, Led Zeppelin, The Rolling Stones, Queen o Eric Clapton, a quien lo llama “El más importante músico de Blues que haya vivido”. Sus grabaciones de 1936 y 1937 muestran su talento, tanto en el canto como en la guitarra y composiciones. También es considerado como “El abuelo del Rock-and-Roll” y además, ocupó el 5º puesto en la lista de “Los 100 más grandes guitarristas de todos los tiempos” por la revista Rolling Stone. Después de dos matrimonio acabó su corta vida a los 27 años, sin saber con certeza las causas de su muerte, habiendo versiones de que fue envenenado o que murió por las enfermedades de la neumonía o la sífilis. Su certificado de defunción apunta que falleció el 16 de agosto de 1938 también en Misisipi. 

¿Un blues?

Gertrude Malissa Nix Pridgett Rainey o Ma Rainey, nacida en Gerogia el 26 de abril de 1886, fue una de las primeras cantantes negras del blues clásico. No tardó mucho en alcanzar a anteriores cantantes de este estilo por su gran potencial en la voz. También fue la precursora y mentora de Bessie Smith, tal vez por eso la llaman la “madre del blues”. Se retiró a los 47 años, muriendo a los 53 por problemas cardíacos el 22 de diciembre de 1939.

Comenzamos con una canción bastante popular de ella: See see rider blues. Con la ayuda de Louis Amstrong, esta canción ha llegado a ser tan popular y importante que años mas tarde, cantantes como Elvis Presley o Jerry Lee Lewis hicieron versiones cambiando la instrumentación, ritmo e incluso el título. Canción interpretada por la “mujer del Blues”, en 1924, es difícil encontrar la canción con una buena calidad donde se pueda notar su gran voz así como las profundas emociones que transmite. En esta canción, se puede reflejar un sentimiento de dolor y a la vez una cierta venganza por un una historia de un amante infiel. Se puede notar una sensación de jazz gracias a la trompeta sonada en casi toda la canción, siendo el instrumento que mas llama la atención, y además, es una canción con un ritmo intermedio. De fondo y en ciertas partes se puede comprobar que también suena un piano, dándole tranquilidad y elegancia a la canción. Esta es una de sus últimas canciones, apareciendo en el álbum “Night times Blues”. “See see rider blues” es una buena canción para comprobar ese blues clásico, no hay duda de que a través de esta canción, Rainey se ha entregado por completo a la música dejando ver el tono y la inflexión en su voz.

He escogido una de las cantantes del blues mas antiguo. Me llamó bastante la atención cuando leí y aprendí sobre ella a sí que por eso me he decantado por Rainey. He escuchado alguna canción suya pero esta ha sido la que más me ha gustado, por como suena su voz. Creo que se puede apreciar todo lo positivo que tenía vocalmente y como he mencionado anteriormente, contiene mucho sentimiento. Fue una de las mujeres que mas aportó al blues y creo que con esta canción da lo mejor de si.

El blues:

El blus, esta música surgida antes de la esclavitud, fue sonando a partir de los años veinte por las grabaciones de country blues. No se sabe con exactitud el nacimiento de blues, de hecho, varios estudiosos, como Samuel Charters, han llegado a recorrer toda África occidental para buscar los orígenes de este estilo.  Pero para tener más exactitud, podríamos centrarnos en las grabaciones comparativas modernas de músicos como Robert Johnson, Jefferson o Leadbelly. La palabra “blues” es empleada a menudo en la lengua inglesa para designar canciones con significados tristes. También, el término blues recoge una forma precisa en segmentos de doce compases basado sobre armonías de tónica, dominante y subdominante. Predominan las llamadas blues notes que suelen estar descritas de la tercera mayor como de la menor en la línea vocal unido a la séptima disminuida. Al ser cantado, el blues emplea una forma concreta de estrofa en la que el verso inicial se expone, se repite y al final viene seguido de un verso que rima con los dos anteriores. Esta forma ayuda a usar un sentido de lamento con cierta sutileza poética.

Cambiando un poco de tema, entre los cantantes de Blues, Robert Johnson es el más conocido. Nacido el 8 de mayo de 1911 en la zona del Mississippi hasta el 18 de agosto de 1938, dejó algunas decenas de grabaciones, todas ellas realizadas en el hotel de Texas. Sus grabaciones consiguieron grandes ventas entre todo el público. Temas como “Terraplane Blues”, “Love in Vain” y “Hellhound on my trail” han conseguido grandes éxitos.  Otro cantante de la misma zona, Charlie Patton (1891-1934) tuvo grandes influencias en algunos bluesman del Delta como Williw Brown. Llamó la atención con su estilo guitarrístico y su canto sonoro y relajado al que a veces usaba acotaciones habladas. Su música era para ser bailada en locales y destacamos composiciones como “Pony Blues” hasta “Shake it and break it” o el fervor religioso en “Prayer of Death”. En 1897 nació en Texas, Blind Lemon Jefferson. Utilizaba un estilo de guitarra con abundantes riffs como acompañamiento de su vocalización resonante llegando a alcanzar notas muy graves. Viajó y actuó en diferentes lugares usando su música religiosa además de los blues antes de morir en 1929. Un amigo de Jefferson, Leadbelly, nacido en Louisiana en 1888 siendo el más mayor, fue descubierto por John y Alan Lomax, donde se trasladó a NY y grabó para el sello Folkways de Moe Asch, mueriendo despúes en 1949 a causa de la esclerosis lateral amiotrófica. Su canción más popular fue “Goodnight Irene”.

El “blues clásico” revela una forma más aculturada del blues. El blues clásico empezó a tomar más elementos y de una manera más notable en el mundo del jazz. Mientras que el cantante del country blues se tomaba más libertad con el compás, la vocalista del blues clásico se amoldaba estrictamente a la forma de los doce compases. El género del blues clásico estuvo dominado por cantantes femeninas.

Gertrude “Ma” Rainey, nació el 26 de abril de 1886 en Columbus. Se dedicaba a recorrer el sur del país para dar espectáculos y grabó sobre todo a mediados de los años veinte donde “Yonder Come the Blues”, grabada en 1926, sus virtudes como cantante fueron patentes. Sus canciones servían para entretener y contenía el humor como el elemento básico.  Se retiró por causas económicas y regresó a su Georgia natal muriendo el 22 de diciembre de 1939. Bessie Smith fue protegida por Ma Rainey, nacida en Tennessee en 1896 ya cantaba a los nueve años. Siendo adolescente,  empezó su carrera con Rainey. Su voz resonante era lo que realmente llamaba la atención. Pronto empezaría a superar a su maestra  en su dominio de la afinación y en la profundidad expresiva de su música. Después, empezó su carrera solitariamente donde poco a poco, tras mucho esfuerzo, se hizo con el mundo del espectáculo. Aunque Smith desempeñó un papel destacado en la fusión del blues y la música popular, sus éxitos en este terreno venían precedidos por los esfuerzos de cantantes y compositores anteriores como W.C Handy. El trabajo de Smith revelaba un fuerte vínculo con el jazz, prefería tempos lánguidos en vez de ritmos tan rápidos. Después de un tiempo con idas y  venidas, unos proyectos que podrían elevarla otra vez no fueron posibles ya que durante una gira, murió a los cuarenta y tres años el 26 de septiembre de 1937 en un accidente de coche.

Podemos conocer mejor a Smith en esta canción en colaboración con Louis Amstrong: http://www.youtube.com/watch?v=jNWs0LsimFsEl